« Je n’appartiens à aucune famille, école ou orientation particulière. Ma sculpture ne cesse de se développer, à partir d’une exploration de moi-même, en interaction avec ce qui existe autour de moi.
Les mouvements artistiques des dernières décennies dans la culture occidentale sont très polarisés. L’avant-garde ou « art contemporain » suit le chemin de l’idée, du cerveau humain. D’autre part, nous avons la direction traditionnelle, par laquelle, dans l’art plastique, toutes les expressions figuratives sont entendues. En partie à cause de ma formation philosophique, mon travail est le résultat d’opinions personnelles. Nous vivons à une époque où l’harmonie de notre mère la Terre est fortement menacée. Je considère qu’il est de mon devoir d’utiliser mon talent artistique en fonction de cela. En tant que membre d’une culture de leadership, l’art n’est pas pour moi un « jouet » sans engagement moral. La créativité est une aptitude fondamentale de tout être humain. D’ici 500 ans, la terre aura l’aspect que nous lui aurons donné. Les artistes utilisent cette capacité comme une fin en soi, tandis que les autres l’utilisent généralement comme une fonction de leurs activités principales sur un plan plus subconscient. Pour moi, cependant, elle est inextricablement liée à d’autres comme l’amour, l’admiration, la conscience, la beauté ».
Lucas Van Haegenborgh
'Dessin', squelette et structure
La période qui a précédé sa première sculpture véritablement figurative, « Dying Cow » (1988), Lucas l’a préparée pendant plusieurs années, plus inconsciemment que consciemment : il a observé et intériorisé, s’est essayé à des figurines en argile dès l’âge de 15 ans, n’a jamais dessiné avec un stylo ou un crayon et, dans les années 70, a surtout appris les techniques, la connaissance des matériaux, s’est exercé à toutes sortes d’échafaudages pendant et après ses études.
« Je n’avais qu’une seule certitude : tout cela n’était pas du temps perdu et aboutirait un jour à une destination finale.
Dans la seconde moitié des années 70, il s’oriente davantage vers l’artistique en suivant un cours de ferronnerie d’art avec Herman D’Haese (Académie des Beaux-Arts d’Anderlecht), puis de modélisme avec Roland Monteyne. À partir de 1980, il a continué à travailler comme mannequin à Gand avec Bert Coolens. Là encore, pas d’esquisse ni de dessin.
Les années 1980 sont surtout marquées par de grandes structures, dont le fil conducteur est l’extériorisation immédiate dans la tridimensionnalité : les maquettes.
Encore et toujours, un processus de devenir se développe autour d’un thème purement conceptuel : « Je ne connais pas vraiment la durée du mijotage, mais tout à coup, généralement le matin, il y a la perception d’un vague flash visuel. L’étape suivante consiste alors à réaliser la maquette ».
Pour sa première sculpture animalière (commandée par l’ami Verbraeken), la « Vache mourante », il est parti de photographies qu’il a immédiatement exécutées en acier après intériorisation.
C’est ainsi que chaque processus de création s’est déroulé depuis lors : des photographies, beaucoup de lectures dans des livres et sur l’internet, et un moment privé de mouvement qui exprime aussi fidèlement que possible l’essence de la créature. « Cette identification est cruciale, mon âme fusionne avec l’essence de mon modèle. Un processus purement cérébral. Pas de miniatures, pas de croquis, mais pendant l’exécution, je prends régulièrement la pose que je suis en train de représenter, les mammifères entre autres…. »
Squelette double
La construction des sculptures, grandes ou petites, commence par l’essentiel : « dessiner » le squelette central avec une baguette, un dessin purement géométrique au feeling. Il ajoute ensuite du volume à cette première ligne, de plus en plus, jusqu’à ce que la composition soit harmonieuse. Les sculptures sont parfois minimales, sinon elles sont plus complexes avec une double sculpture : la sculpture intérieure est une approche abstraite du squelette, la sculpture extérieure une approche figurative des muscles et de la fourrure.
« En effet, le squelette dans sa diversité est essentiel dans mon travail et ma pensée. D’une part, il est le noyau ontologique de mon exploration philosophique. D’autre part, en tant que noyau physique de la construction de mes sculptures. Ce double squelette est le fil conducteur. Ces deux formes vont de pair, se rejoignent souvent ou suivent chacune leur propre chemin. Mon domaine d’étude n’est enseigné nulle part dans le monde, il n’y a pas de professeurs non plus. Mais il a été propulsé par un grand amour de l’être humain et par le chagrin de l’horreur quotidienne ».
Les études de Lucas ont en fait commencé dans sa jeunesse, pendant les vacances, en tant qu’assistant vétérinaire. À partir de « Stervende Koe », il a poursuivi lui-même sa formation anatomique, par exemple avec le professeur Simons au musée des squelettes de l’école vétérinaire de Merelbeke.
Au début, il travaillait encore à partir de « modèles ». Pour la vache, il a tout étudié dans les livres et pour « Albion », il a emprunté le squelette d’un célèbre cheval de course. Parce que pour Lucas, l’essence de son sujet ne peut être que purement rendue, il va en profondeur et ce n’est qu’après avoir bien maîtrisé le sujet qu’il autorise les variations et l’abstraction.
Plus tard, le rendu du squelette devient de plus en plus abstrait et il n’emprunte plus de squelettes. Son abstraction dans le bison est même une représentation de « l’éveil de la kundalini » bouddhiste, une image dans l’image. Même le squelette du chameau est une sculpture à part entière si on le démonte. Et ainsi de suite, jusqu’au grand tigre de fer.
Matière
“Pendant mes années à l’académie d’Anderlecht et de Gand, je n’ai travaillé qu’avec de l’argile. Honnêtement, ce n’était pas « mon truc.“
Fer
« Lorsque l’on travaille directement le métal, pour moi c’est le fer, mon matériau préféré, suivi du laiton et du cuivre. Le bronze se distingue par le fait qu’on ne peut le travailler que lorsqu’il est coulé. L’aluminium, l’acier inoxydable et autres, non merci. Mais encore une fois, le bel argent que j’ai utilisé à l’époque où je fabriquais des valves en métal, dans les années 1980 ».
Plâtre & jute
Lorsqu’il s’agit de modeler des matériaux souples, Lucas préfère le plâtre et le jute, une technique passionnante en raison de la pression temporelle de la solidification. Autour d’un squelette en acier, doublé de grillage, des plaques de jute imbibées de plâtre sont placées encore et encore. Parmi les exemples, citons le bison du zoo, le premier enfant, les girafes de l’école primaire, la mère et l’éléphanteau des éléphants.
Cire & bronze
Les sculptures en bronze sont coulées d’après un original.
Dans le cas de la cire perdue, la sculpture est modelée dans l’argile, le plâtre ou un autre matériau à partir duquel un moule est réalisé pour permettre la fonte d’une série.
Dans le cas de la cire directe, la sculpture est modelée/composée à partir de matériaux combustibles naturels. En raison de la structure fantaisiste, un moule est impossible et la sculpture reste toute seule. Par exemple, il y a des brindilles, des fleurs, de l’écorce, du jute, de la corde de lin, du coton, … de la cire dure, liquide chaude ou en plaques solidifiées pour le travail, et de la cire molle pour les détails.
La construction se fait à la manière du fer à repasser : des brindilles -pour le squelette- sont assemblées avec des bandes de gaze à pansement imbibées de cire. Il faut ensuite travailler avec le matériau qui interprète le mieux la texture de ce qui est représenté. Les chameaux, les bœufs musqués, les bisons, les bouquetins en sont des exemples. L’inconvénient est encore une fois le prix du bronze. Comme il est techniquement impossible d’en faire un moule, les sculptures sont totalement uniques.
